Vous souhaitez apprendre à dessiner en partant sur de bonnes bases pour bien débuter en dessin : cet article est fait pour vous !

Après un rapide aperçu du matériel de dessin et quelques idées d’exercices de dessin faciles, on va passer dans le vif du sujet : les bases du dessin, avec les proportions, la perspective, le dessin de personnage, les valeurs, les ombres, la lumière, les effets de texture et la composition. Le tout expliqué le plus simplement possible, sans jargon inutile ou géométrie compliquée pour convenir aux plus débutants d’entre-vous.

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Le matériel pour débuter le dessin

Le matériel de base

L’avantage du dessin par rapport à la peinture, c’est que vous n’avez besoin que d’un crayon et d’une feuille.

Je vous conseille tout de même un crayon de type crayon graphite pour débuter (aussi appelé crayon gris ou crayon papier selon la région d’où vous venez ?), d’un papier blanc ou beige sans motif, d’un taille crayon et d’une gomme.

Mais faites avec ce que vous avez, il est tout à fait possible de débuter avec un stylo-bille sur des post-it pour apprendre les bases du dessin.

Vous vous procurerez du matériel de « pro » en dessin quand vous souhaiterez vous perfectionner.

Un matériel dessin qui peut être utile : le feutre à encre

Un matériel de dessin qui peut être utile, en tout cas, une fois que vous connaîtrez les bases du dessin, est le feutre à encre noire.

Il mettra en valeur vos dessins avec un look plus pro, plus fini :

Dans les exemples, il s’agit d’aquarelles car c’est ma spécialité, mais vous pouvez tout à fait encrer vos dessins seulement au feutre à encre, sans couleur.

Voici d’autres exemples seulement à l’encre ici (mais qui ne sont pas de moi).

Focus sur le crayon graphite

Concernant les crayons graphites, il en existe de différentes sortes, avec des mines allant de 10H (mine sèche) à 10B (mine tendre), en passant par HB (ni trop sèche, ni trop tendre).

Les crayons à mine sèche conviennent aux dessins discrets, parfaits pour un dessin préparatoire, des traits de construction, ou encore un dessin pour peindre ensuite à l’aquarelle.

Les crayons à mine tendre permettent de foncer davantage, ils sont parfaits pour les ombres, pour les dessins artistiques. Ils sont par contre plus salissants et plus difficiles à gommer.

Le mieux est d’en avoir un de chaque : un crayon à mine sèche pour les traits de construction et un crayon à mine tendre pour le dessin final, les ombres.

Mais encore une fois, faites avec ce que vous avez (et selon vos préférences !). Vous pouvez très bien faire un dessin seulement avec un crayon à mine sèche, seulement avec un crayon à mine tendre, ou seulement avec un HB.

Me concernant, j’utilise seulement un crayon 2B (parce que c’est ce que j’avais déjà chez moi ; ma spécialité étant l’aquarelle, j’ai un matériel très limité pour le dessin !).

Focus sur le papier à dessin

Si vous souhaitez compléter votre dessin avec un feutre à encre, il vous faudra un papier à dessin plus épais qu’une feuille blanche classique.

Me concernant, j’utilise un carnet de notes (pages beiges) récupéré lors d’une conférence, donc pas du tout fait pour le dessin. Mais ça me convient très bien pour le peu de dessins au crayon graphite que je fais (qui sont plus de petits croquis préalables à mes aquarelles).

Bien sûr, pour mes aquarelles, j’utilise du papier aquarelle d’un grammage de 300 g/m² minimum.

Je vous conseille un petit carnet plutôt que des feuilles volantes pour pouvoir facilement le transporter avec vous et pour garder une trace de vos anciens dessins et ainsi mieux voir votre progression.

Par où commencer, que dessiner en premier ?

Déjà, lisez cet article jusqu’au bout pour avoir en tête les bases du dessin avant de vous lancer.

Ensuite, vous pouvez faire des mini-exercices pour entrainer votre précision :

• Tracez des traits droits sans règle (astuce : bougez le bras entier, pas seulement votre poignet)
• Tracez des cercles et ellipses sans compas
• Tracez des hachures plus ou moins serrées, mais régulières
• Divisez une ligne en 2, 3, 4 parties égales seulement par l’observation

Enfin, il y a 2 exercices simples pour débuter en dessin :

Dessiner une tasse ou un autre objet simple de votre quotidien

Posez une tasse en face de vous (ou un verre, ou une fourchette, ou un crayon,…) et dessinez-la telle que vous la voyez.

Utilisez bien tout ce qui est enseigné dans cet article pour dessiner les objets.

Pourquoi c’est un bon exercice ?

Ça vous entraîne au dessin sur le vif, à partir d’un modèle réel, en 3 dimensions.

On se trouve vraiment dans la base du dessin : reproduire en 2 dimensions, ce que l’on voit en 3 dimensions.

Reproduire un dessin simple

Un 2ème exercice de dessin facile consiste à reproduire les dessins de quelqu’un d’autre, comme un personnage de bande dessinée, de manga ou de dessin animé.

Choisissez de préférence un dessin assez simple.

Quand j’étais enfant, je reproduisais les couvertures du journal de Mickey par exemple.

Ça ne reste que de la copie mais c’est formateur. Je vous conseille tout de même de ne pas faire que ça pour progresser en dessin.

Si vous l’avez reproduit à la même échelle que l’original, vous pouvez ensuite décalquer l’original, poser le calque sur votre dessin, pour vérifier les proportions, mieux visualiser où vous avez pu faire une erreur.

Les bases du dessin : les proportions, les contours

Un dessin au crayon graphite est composé de 3 choses : les contours (qui délimitent les proportions et prennent en compte la perspective), les valeurs (qui correspondent surtout aux ombres) et les effets de texture (bien qu’ils soient en partie liés aux valeurs).

Avant de placer les valeurs et les effets de texture, il faut dessiner les contours des éléments.

D’ailleurs, pour un dessin qui sera complété par de la couleur, par exemple dans le cas d’une peinture, on ne dessine que les contours. Les valeurs et les effets de textures seront représentés par la peinture.

Un principe de base en dessin

Dessiner ce l’on observe, pas ce que l’on imagine.

C’est valable surtout pour les contours, mais aussi pour les valeurs et les effets de texture (et même pour les couleurs si vous ajoutez de la couleur à votre dessin).

Gardez les symboles pour les panneaux ou le Pictionary.

Si vous souhaitez donner du réalisme à votre dessin, il faut bien dessiner ce que vous observez.

Petites astuces pour bien proportionner

Certaines de ces astuces sont expliquées plus en détail dans l’article 41 astuces dessin pour vos aquarelles.

1ère astuce : tout décomposer en formes simples

Une règle qui fait partie des bases du dessin : un objet complexe peut être décomposé en formes simples, puis affiné et détaillé ensuite.

Par exemple, j’ai fait rentrer la bouteille dans 2 rectangles, que j’ai divisés ensuite en plus petits rectangles, avant d’affiner les contours et d’ajouter les détails.

Modèle :

Attention lors du dessin des contours affinés : s’assurer que le dessin de la bouteille reste parfaitement symétrique.

Vous verrez un 2ème exemple plus loin, lorsque nous dessinerons une personne en mouvement.

2ème astuce : comparer les proportions entre-elles

La première astuce ne va pas sans celle-ci.

Pour dessiner les 2 grands rectangles qui composent la bouteille, j’ai dû comparer leurs proportions.

On peut remarquer que la largeur du plus grand rectangle est environ 2,5 fois plus petite que sa hauteur, ou encore que la longueur du plus grand rectangle est 1 fois et demi plus grande que la longueur de l’autre rectangle.

2ème astuce bis : s’aider d’un crayon (ou d’une règle) pour comparer les proportions

Placez votre crayon, ou autre chose de droit comme une règle, sur votre modèle s’il s’agit d’une photo pour comparer les proportions.

Si vous dessinez sur le vif, vous pouvez tendre votre bras avec le crayon dans la main pour comparer les proportions.

3ème astuce : gommer après avoir corrigé l’erreur

Si vous avez mal placé un trait, je vous conseille de le gommer après l’avoir replacé pour éviter de refaire la même erreur.

4ème astuce : regarder les espaces négatifs

Pensez à regarder également les espaces négatifs.

Par exemple, observer la forme que prend l’intérieur de l’anse de la tasse au lieu de la forme de l’anse elle-même.

5ème astuce : regarder où se chevauchent les éléments

Par exemple, regarder à quel endroit se coupent la tasse et le citron pour les reproduire plus facilement.

6ème astuce : tendre le crayon ou placer le crayon sur le modèle photo pour l’orientation des lignes

Cela permet de mieux se rendre compte de l’orientation des lignes, par exemple pour un bâtiment vu en perspective. Mieux se rendre compte si la ligne part vers le haut, vers le bas, ou bien reste bien parallèle à la ligne d’horizon.

7ème astuce : attention aux illusions d’optique

Les valeurs affinent les éléments. On a alors tendance à dessiner les contours moins gros qu’ils ne le sont en réalité quand les valeurs ne sont pas encore posées. Attention à ne pas dessiner les contours des éléments plus fins qu’ils ne le sont en réalité !

Les bases du dessin : la perspective

La perspective, c’est le fait de représenter sur une surface qui est en 2 dimensions (feuille de papier, toile, papier aquarelle…), des éléments (objets, personnages, lieux…) en 3 dimensions.

Pour recréer l’illusion de profondeur, il existe la perspective atmosphérique où, plus un élément est loin, plus il sera décontrasté, et la perspective géométrique, ou plus exactement, la perspective linéaire, que l’on va voir ici.

Les notions en perspective sont très utiles pour dessiner correctement un dessin d’observation et indispensables pour dessiner d’imagination.

Bien que la perspective n’ait pas besoin d’être parfaite, elle doit rester cohérente.

Les bâtiments en perspective

En perspective linéaire, le cas le plus classique est le dessin des bâtiments.

Vous trouverez l’essentiel à connaître sur la perspective des bâtiments dans cet article : la perspective expliquée simplement.

Les cercles en perspective

Un cercle vu en perspective forme une ellipse.

C’est le cas par exemple pour le fond de la bouteille ou pour le haut de la tasse.

Pour dessiner une ellipse, il faut bien arrondir ses angles sur les côtés.

Dans cet exemple, l’ellipse est bien arrondie à droite, mais forme un angle à gauche, il s’agit d’une erreur de dessin de ma part.

Une 2ème erreur est de dessiner toutes les ellipses d’un objet cylindrique de la même taille.

Par exemple, le cercle du haut de la bouteille étant vu parfaitement de côté, il ne s’agit pas d’une ellipse, mais d’un simple trait. Alors que le cercle du fond est bien une ellipse.

De manière générale, si l’objet cylindrique est vu du dessus (légèrement ou beaucoup), ce qui est la situation la plus probable, l’ellipse du haut est plus étroite que l’ellipse du bas.

Cette erreur de dessin est décrite dans cet article : Petite astuce dessin : les ellipses

Les espacements en perspective

Plus les éléments sont situés au loin, plus l’espacement entre chaque élément est petit.

Je vous donne 2 méthodes pour déterminer précisément les espacements en perspective dans l’article 41 astuces dessin pour vos aquarelles.

Autres éléments en perspective

Tout élément est vu en perspective, y compris les ombres ou les parties du corps d’un personnage, comme on va le voir plus loin.

Si l’on souhaite les dessiner précisément, avec une perspective exacte, le mieux est de faire entrer chaque élément dans des formes géométriques connues et mettre en perspective ces formes.

Personnellement je ne le fais pas, mais c’est peut-être parce que je n’ai encore jamais dessiné des scènes très complexes.

Je me contente de garder en tête les conseils sur les bases du dessin donnés tout au long de cet article.

Les bases du dessin : dessiner des personnes en mouvement

Un corps humain est particulièrement complexe à dessiner, surtout s’il est en mouvement.

Dessiner les contours seulement par observation n’est pas possible.

Il y aura forcément des erreurs dans les proportions qui vont gâcher tout le personnage.

Pour dessiner une personne en évitant au maximum les erreurs, voici une méthode en 4 étapes :

Modèle (photo venant de Pixabay) :

Etape 1 : saisir le mouvement

Un ovale pour la tête et de simples traits passant au centre des parties du corps sont suffisants.

Cette étape sert à rendre la personne dynamique, vivante.

Etape 2 : obtenir les bonnes proportions

Il s’agit de l’étape la plus délicate.

Dessinez les différentes parties du corps avec des formes simples ayant les bonnes proportions.

Pour se faire, utilisez les conseils et astuces citées précédemment, y compris la perspective.

En effet, si une partie du corps part vers l’avant ou vers l’arrière, celle-ci est vue en perspective.

Dans l’exemple, le pied gauche est situé derrière le pied droit, il est donc vu légèrement plus petit.

Etape 3 : affiner les formes, tout relier

A cette étape, il faut dessiner les « vrais » contours du corps entier.

Pour cela, il est utile d’avoir quelques connaissances en anatomie, et tout simplement de bien observer le modèle.

Dans l’exemple, je me suis rendue compte à cette étape de 2 erreurs de proportions : un écart trop important entre les 2 jambes et la main du haut trop penchée. Il est encore temps de corriger ces erreurs de dessin !

Etape 4 : ajouter les détails

Dernière étape, ajoutez les détails.

Vous pouvez aussi gommer les traits de construction des 2 premières étapes pour ne garder que le contour final.

Dans l’exemple, je me suis rendue compte trop tard que j’avais mal aligné les yeux.

J’aurais dû placer les axes du visage comme expliqué dans l’article 41 astuces dessin pour vos aquarelles pour éviter cette erreur.

Les bases du dessin : les ombres, la lumière, le contraste, les valeurs

Nous avons vu la première partie des bases du dessin avec les contours qui incluent aussi les notions de proportion, perspective et observation.

Maintenant, nous allons voir la 2ème partie des bases du dessin : les valeurs.

Les valeurs incluent les notions de contraste, de lumière, de volume, d’ombre… et d’observation.

Ici, nous allons ajouter les valeurs au crayon graphite.

Mais si vous souhaitez ajouter de la couleur à votre dessin, les valeurs seront représentées au moment de poser la couleur, par exemple à la peinture.

Qu’est-ce que les valeurs ?

Les valeurs, c’est le fait pour une couleur, d’être plus ou moins foncée.

Une couleur = teinte (rouge, vert, bleu…) + saturation (vive, terne) + valeur (claire, foncée)

Concernant le dessin au crayon papier, celui-ci est entièrement en noir et blanc. On n’a donc ni teinte, ni saturation, seulement des valeurs.

La valeur la plus claire est le blanc, et la valeur la plus foncée est le noir. Entre les 2, il y a une multitude de gris différents, plus ou moins foncés.

Si vous dessinez à partir d’un modèle photo, vous pouvez mettre celui-ci en noir et blanc pour mieux visualiser les valeurs.

Comment représenter les valeurs au crayon ?

Il n’y a pas qu’une seule façon de faire.

Ça dépend de votre style (un peu comme une écriture, elle est propre à chacun) et aussi de l’effet de texture que vous souhaitez représenter (comme on le verra dans la partie sur les effets de texture).

Voici plusieurs façons de faire, qui peuvent être cumulées :

• des hachures, dans un sens comme dans l’autre. Plus les hachures seront serrées, plus la valeur sera foncée
• une variante : des hachures et des contre-hachures pour former des petits carreaux. Plus les carreaux seront petits, plus la valeur sera foncée
• utiliser plusieurs crayons : un ou plusieurs crayons à mine sèche (H) pour les valeurs claires et un ou plusieurs crayons à mine grasse (B) pour les valeurs foncées
• « colorier » avec votre crayon en appuyant plus ou moins dessus. Ce n’est pas la façon la plus jolie, « propre » de faire, mais c’est la plus simple et rapide. C’est en général celle que j’utilise comme mes dessins au crayon graphite ne sont pas de « vrais » dessins, mais plutôt des brouillons, des études préparatoires pour mes aquarelles.

Les ombres propres

La principale utilité des valeurs est de donner du volume à notre dessin.

Et ce qui donne du volume, ce sont les ombres propres.

C’est-à-dire, l’ombre qui se situe sur l’élément, la partie de l’élément qui n’est pas éclairée.

Tout comme les ombres portées, que l’on verra après, les ombres propres s’opposent à la lumière.

Si l’élément est arrondi, l’ombre sera en dégradé.

Si l’élément est plat, l’ombre sera plus uniforme sur toute la surface des faces situées dans l’ombre.

L’ombre sera également différente en fonction de la texture de l’élément, comme on le verra dans la partie sur les effets de texture.

Les ombres portées

L’ombre portée est l’ombre d’un élément projetée sur une surface (le sol, le mur, un autre élément…)

Celle-ci est très complexe à dessiner pour un débutant car elle dépend de nombreux facteurs :

• la nature de la lumière (naturelle ou artificielle) : la lumière artificielle déforme les ombres
• l’intensité de la lumière : plus la lumière est forte, plus l’ombre sera foncée et avec des rebords marqués
• la direction de la lumière : plus la lumière est basse, plus l’ombre sera grande
• l’angle de vue : les ombres aussi sont concernées par la perspective !
• le nombre de lumières : si plusieurs lumières, plusieurs ombres portées !
• la surface sur laquelle l’ombre est projetée : celle-ci prendra sa forme
• … j’oublie probablement encore de nombreux facteurs ?

Tous ces facteurs sont surtout importants à avoir en tête si vous dessinez d’imagination.

Si vous dessiner sur le vif ou d’après photo, le plus important reste l’observation.

Essayez quand même de repérer d’où vient la lumière quand vous dessinez, ça vous aidera grandement.

Le contraste

Toutes ces différences de valeurs sont appelées contrastes.

Si une valeur très foncée se situe à côté d’une valeur très claire, on dit alors qu’il y a un fort contraste de valeurs.

Ces contrastes sont importants pour véhiculer une impression de forte lumière (ou le contraire si le contraste est faible), mais aussi une ambiance, des émotions, pour mettre l’accent sur un élément en particulier,… ou encore pour indiquer une texture, comme on va le voir juste après.

Les bases du dessin : les effets de texture

Valeurs et effets de textures sont en partie liés car les effets de textures seront représentés en partie par les valeurs.

Les effets de texture sont la matière qui compose l’élément.

Des cheveux frisés, une bouteille en verre, un pull en laine… tous ces détails doivent pouvoir se repérer dans votre dessin.

Représenter les effets de texture avec les ombres et lumières

Une première façon de le faire est de repérer comment se reflète la lumière sur l’élément.

Si la surface est opaque, la partie éclairée de l’élément restera de la teinte de l’élément, c’est-à-dire, pas blanche (sauf si l’élément est blanc). Le contraste ombre/lumière sera moins important, indépendamment de l’intensité de la lumière.

Si la surface est brillante, la partie éclairée de l’élément sera blanche, quelle que soit la teinte de l’élément. Le contraste ombre/lumière sera plus important, indépendamment de l’intensité de la lumière.

Par exemple, si vous dessinez un manteau de type ciré, les contrastes seront plus importants que si vous dessinez un manteau en laine.

Dans l’exemple de la bouteille, j’ai représenté les reflets et l’étiquette vue par transparence pour montrer le fait que la bouteille soit en verre.

Représenter les effets de texture en variant les traits

Une deuxième façon de faire est de varier les traits quand vous représentez les valeurs.

Par exemple, des hachures parfaitement parallèles entre-elles indiqueront une surface lisse alors que des gribouillis indiqueront plutôt une surface rugueuse.

Ces traits peuvent carrément être de petits éléments. Par exemple, dessiner des plumes pour une surface faite de… plumes.

Les bases du dessin : la composition

La composition est la manière dont sont placés les éléments sur le papier.

Ce n’est pas parce que sur votre modèle, les éléments sont placés d’une certaine façon, que vous devez les placer exactement de la même façon sur votre dessin. Vous avez le droit de modifier la réalité comme bon vous semble (tant que cette réalité reste cohérente, sinon il s’agira d’un dessin abstrait ?).

Voici certaines « règles » de base pour obtenir une meilleure composition en dessin (bien sûr ces règles ne sont que des indications et peuvent être transgressées, mais quand vous débutez au dessin, je pense qu’il est bon de suivre quelques règles, quitte à s’en détacher une fois que vous serez un dessinateur confirmé) :

LA base en composition : la règle des tiers

On peut diviser notre feuille en neufs parties égales en traçant des lignes situées aux tiers de la feuille.

Il est préférable de placer :

• la ligne d’horizon sur l’une des 2 lignes horizontales
• un point d’intérêt à une des 4 intersections
• une verticale forte (comme le mât d’un bateau ou le clocher d’une église) sur l’une des 2 verticales

Cette règle des tiers viendrait du nombre d’or :

Il n’est pas indispensable de tracer exactement les lignes aux tiers, et encore moins le nombre d’or.
Ce qu’il faut retenir, c’est surtout qu’il faut éviter de centrer les éléments principaux et la ligne d’horizon pour avoir une meilleure composition.

Supprimer, modifier, remplacer, déplacer

N’hésitez pas à supprimer, modifier, remplacer ou déplacer un élément si celui-ci vous gêne, que vous ne savez pas comment le dessiner ou qu’il ne sert pas la composition.

Eviter les « heureuses coïncidences »

C’est une erreur de composition assez commune chez les débutants en dessin : “haut du verre qui arrive pile au niveau de l’intersection entre la table et le mur”, “clocher de l’église qui arrive pile au niveau du sommet de la montagne”, “une fleur qui arrive pile à côté d’une autre fleur sans se chevaucher”…

Pour plus de réalisme dans votre dessin, il faut éviter les “heureuses coïncidences” de ce type.

Ce qui est naturel est varié

Tout ce qui est naturel est très varié et aléatoire.

Pensez à bien varier les formes, les valeurs, les espacements, les inclinaisons… des éléments de la nature comme les fleurs, les arbres (sauf si bien taillés et plantés par des humains), les nuages…

Par contre, tout ce qui est constructions humaines est très droit, précis et uniforme, avec des motifs répétitifs. En tout cas en 3 dimensions, dans la réalité. En 2 dimensions, sur le papier, il faut y intégrer la perspective qui rend les traits moins parallèles et les espacements moins uniformes comme vu plus haut.

Il existe beaucoup d’autres « règles » et d’aspects à la composition. J’en énonce d’autres et beaucoup plus en détail dans ma formation « Peindre d’après photo ».

J’espère avoir fait le tour des bases du dessin et n’avoir rien oublié d’important.

Maintenant que vous avez les bases théoriques du dessin, je vous invite fortement à passer à la pratique.

Et si vous souhaitez mettre de la couleur à vos dessins (à l’aquarelle ?), je vous invite à télécharger mon livre numérique gratuit « L’essentiel pour débuter l’aquarelle ».